Didáctica III – Michelle Prince. Abril, 24 de abril de 2009.
Ana Lucía Pacheco.
Presentación Personal.


Tengo 34 años ingrese al ipa en el año 2001, con mucho sacrificio salí adelante siempre trabajando en servicios y estudiando; nada nuevo como la mayoría. Mi última práctica docente fue hace cinco años, tenía mis temores y mis dudas porque ese año me encontré muchas situaciones difíciles de sacar adelante.
Me hizo dar de mi mucho, pero también aprender de esas situaciones para crecer.
Fui estudiante de arquitectura deje la facultad para ingresar al ipa, después de siete años de mi vida en los que me pase buscándome. Adoro el diseño y el dibujo técnico es mi obsesión; sentía la carencia de no tener contacto directo con la gente y la docencia estaba dentro de los sueños de mi adolescencia. Me faltaba algo.
Siempre adoré el dibujo desde mis épocas liceales, fui buena alumna; pero en mi familia a mi y mis tres hermanos la historia de mi hijo el doctor nos pegaba fuerte, y fue inculcado por mis padres desde siempre.
Ingrese así a este ámbito, como volver al liceo después de esos años y fueron mis primeros acercamientos a los entornos liceales y los adolescentes. Me sentí bien dando a los demás de lo que yo aprendí y recibiendo sus logros como propios. Uno no vuelve ser el mismo y siente que el alumno también cambia un poco lo que resulta gratificante.
Este año para mi es muy desafiante y se que será intenso porque es la primera vez que estoy haciendo algo, con lo que he prendido; mi condición de escolarizada de todos estos años es difícil de romper y ahora a poner en práctica!



Bodegón
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«Naturaleza muerta» redirige aquí. Para otras acepciones véase Naturaleza muerta (desambiguación).
Francisco de Zurbarán: Bodegón de jarras (1636) Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente objetos cotidianos que pueden ser naturales (animales de caza, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio artificial determinado. Esta rama de la pintura se sirve de un exquisito arreglo, encanto colorístico y de una iluminación fina para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía. Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón dan al artista más libertad de acción en la colocación de elementos de diseño dentro de una composición que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, y usan objetos encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador, así como sonido y vídeo.
Historia. Antecedentes antiguos
Bol de fruta transparente y jarros. Frescos romanos en Pompeya (alrededor del año 70) Los bodegones a menudo adornan el interior de las tumbas del Antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la comida y otros artículos representados allí, se harían reales en la otra vida y disponibles para que los muertos los usaran. Las pinturas sobre jarras de la Antigua grecia también demuestran gran habilidad al representar objetos cotidianos y animales. Bodegones parecidos, más simples decorativamente, pero con perspectiva realista, se han encontrado igualmente en pinturas murales de la Antigua Roma y en mosaicos del suelo en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo posteriormente tan familiar de un bol de cristal con frutas. Los mosaicos decorativos llamados emblema, que se han encontrado en casas de romanos ricos, demuestran la variedad de comida de la que disfrutaban las clases superiores, y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida.[1] En el siglo XVI, la comida y las flores reaparecerían como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También desde la época romana existe la tradición del uso de un cráneo en las pinturas como un símbolo de mortalidad y de restos terrenales, a menudo acompañada por la frase Omnia mors aequat (La muerte iguala a todos).[2] Estas imágenes de vanitas han sido reinterpretadas a lo largo de los últimos cuatrocientos años de historia del arte, comenzando con los pintores holandeses alrededor del año 1600 La apreciación popular del realismo en el bodegón se relaciona con la leyenda griega antigua de Zeuxis y Parrasios, de quienes se dice que compitieron por crear los objetos más animados, las descripciones más antiguas de la historia de pintura de trampantojo.[4] Como Plinio el Viejo relataba en los tiempos romanos, los artistas griegos de siglos antes ya estaban muy desarrollados en las artes del retrato y el bodegón. Distinguió a Peiraikos, «cuya maestría muy pocos sobrepasan... Pintó tenderetes de zapateros y barberías, asnos, plantas y cosas semejantes, y por esa razón le llamaron el "pintor de los objetos vulgares"; aún así estas obras eran en conjunto deliciosas, y se vendían a precios más altos que las más grandes [pinturas] de muchos otros artistas».
Edad Media Petrus Christus: San Eligio orfebre (pareja burguesa con un orfebre, 1449).
A partir de 1300, comenzando por Giotto y sus seguidores, la pintura de bodegón revivió en la forma de nichos de ficción en murales de tema religioso que representaban objetos de la vida cotidiana.[6] Este tipo de representación pictórica fue considerado menor hasta el Renacimiento, y solía aparecer encubierto en cuadros de otro género, como la pintura religiosa o los retratos, y solían conllevar un significado religioso o alegórico. Esto era particularmente cierto en la obra de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el simbolismo y el realismo óptico muy detallado les llevó a prodigar gran atención en el mensaje general de sus pinturas. Pintores como Jan van Eyck a menudo usaron elementos de bodegón como parte de su programa iconográfico.
El desarrollo de la técnica de pintura al óleo por van Eyck y otros artistas del norte de Europa permitió pintar objetos cotidianos en un estilo hiperrealista, debido a su secado más lento, la mezcla y la cualidad de trabajar por capas de los colores al óleo. El retrato que hizo Petrus Christus de un novio y una novia visitando a un orfebre es un ejemplo típico de un bodegón de transición que representaba tanto un contenido religioso como secular. Aunque su mensaje es principalmente alegórico, las figuras de la pareja son realistas y los objetos que se muestran (monedas, vasijas, etc.) están adecuadamente pintadas pero el joyero es en realidad una representación de san Eligio y los objetos intensamente simbólicos. Otro tipo semejante de pintura es el retrato de familia que combina figuras con una mesa bien llena de comida, que simboliza tanto la piedad de los sujetos y sus gracias a la abundancia de Dios.[9] Por esta época, las representaciones sencillas de bodegones privadas de figuras (pero no de significado alegórico) empezaban a pintarse en la parte externa de las puertas de pinturas de devoción privada.[5] Otro paso hacia el bodegón autónomo fue pintar flores simbólicas en jarros en la parte posterior de retratos seculares alrededor del año 1475.[10]
Renacimiento
Entre los primeros en liberarse del significado religioso del bodegón estuvieron Leonardo da Vinci, quien creó estudios a la acuarela de fruta (alrededor de 1495) como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Alberto Durero quien también hizo dibujos detallados de la flora y la fauna. Jacopo de’ Barbari dio un paso más allá con su Bodegón con perdiz, guanteletes y flechas de ballesta (1504), uno de los primeros bodegones trampantojo firmados y datados, con un contenido religioso reducido al mínimo. Annibale Carracci, Carnicería (1583) El siglo XVI vio una explosión de interés en el mundo natural y la creación de lujosas enciclopedias botánicas que documentaban los descubrimientos del Nuevo Mundo y Asis. También impulsó el comienzo de la ilustración científica y la clasificación de las especies. Los objetos naturales comenzaron a apreciarse como objetos de estudio individuales aparte de cualquier asociación mitológica o religiosa. La temprana ciencia de los remedios a base de hierbas comenzó igualmente en esta época, una extensión práctica de este nuevo conocimiento. Además, los patronos ricos comenzaron a financiar la colección de especies animales y minerales, creando amplios «gabinetes de curiosidades». Estos ejemplares sirvieron como modelo para los pintores que buscaban realismo y novedad. Empezaron a coleccionarse y comercializarse conchas, insectos, frutas exóticas y flores, y plantas nuevas, como el tulipán (importado a Europa desde Turquía), se celebraban en los bodegones.[13] La explosión de la horticultura despertó amplio interés por toda Europa, tendencia que los artistas capitalizaron produciendo miles de bodegones. Algunas regiones y cortes tenían intereses particulares. La representación de cítricos, por ejemplo, era una pasión particular de la corte de los Médicis en Florencia Esta gran difusión de los ejemplares naturales y el creciente interés en la ilustración natural por toda Europa, dio como resultado la creación prácticamente simultánea de bodegones modernos alrededor del año.
A lo largo de la segunda mitad del siglo XVI había evolucionado el bodegón autónomo Gradualmente, el contenido religioso disminuyó en tamaño y lugar en estas pinturas, aunque las lecciones morales siguieron estando implícitas. Un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer (1568), con su representación realista de carnes crudas dominando el primer plano, mientras que la escena del fondo transmite los peligros de la ebriedad y la lascivia.[17] El tratamiento de Annibale Carracci del mismo tema en 1583 comienza a eliminar los mensajes morales, como hicieron otras pinturas de bodegón de «cocina y mercado» de este período. Siglo XVII Abraham van Beyeren: Bodegón de banquete (1667).
Aunque la pintura de bodegón italiana estaba ganada en popularidad, permaneció históricamente menos respetada que la pintura de «gran estilo» de temas históricos, religiosos y míticos. Destacados académicos de principios de los años 1600, como Andrea Sacchi, sentía que la escena de género y el bodegón no portaban la gravitas que hace que la pintura sea considerada grande. Por otro lado, exitosos artistas de bodegón italianos encontraron amplio mecenazgo en su tiempo. Más aún, las pintoras, siendo pocas, normalmente elegían o se veían constreñidas a pintar temas como el bodegón, como ocurría, por ejemplo con Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi y Fede Galizia.
Muchos artistas italianos destacados en otros géneros, también produjeron algunos cuadros de bodegones. En particular, Caravaggio (1573-1610) fue uno de los primeros artistas que representó naturalezas muertas con conciencia de obra pictórica. Aplicó su influyente forma de naturalismo al bodegón. Su Cesto con frutas (h. 1595-1600) es uno de los primeros ejemplos de bodegón puro, presentado con precisión y ubicado a la altura del ojo.[20] Aunque no abiertamente simbólica, esta pintura era propiedad del cardenal Borromeo y pudo haber sido apreciada tanto por razones estéticas como religiosas. Jan Bruegel pintó su Gran buqué milanés (1606) también para el cardenal, señalando que la pintura era «fatta tutti del natturel»' (hecha entera del natural) y aumentó el precio por el esfuerzo extra Eran unos bodegones más en la colección del cardenal, junto con su amplia colección de curiosidades. Entre otros bodegones italianos, La cocinera, de Bernardo Strozzi, es una «escena de cocina» a la manera holandesa, que es por un lado un detallado retrato de una cocinera, y por otro, la representación de las aves de caza que está preparando En una manera semejante, uno de los escasos bodegones de Rembrandt, Muchacha con pavos reales muertos combina de igual manera un simpático retrato femenino con imágenes de aves de caza. Este género fue muy cultivado en la pintura holandesa del siglo XVII, como puede verse, por ejemplo, en la Naturaleza muerta de Willem Heda (1637). El bodegón se independizó en el nuevo clima artístico de los Países Bajos, con el nombre de stilleven («naturaleza tranquila»), mientras que en las lenguas romances, y en ruso, se prefieren términos relacionados con la «naturaleza muerta». Mientras los artistas encontraban oportunidad limitada para producir la iconografía religiosa que durante mucho tiempo había sido su principal industria, ya que las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la iglesia protestante reformada holandesa, la tradición septentrional continua de realismo detallado y símbolos ocultos atraían a las crecientes clases medias holandesas, quienes estaban reemplazando a la iglesia y el estado como los principales mecenas del arte en los Paises Bajos.
Un subgénero, dentro del bodegón, es el bodegón floral, que representa flores, en el que fue muy experto el pintor español del Barroco, Juan de Arellano. Se produjo en Holanda una obsesión por la horticultura, particularmente el tulipán. Considerar las flores, a un tiempo, como objeto estético y símbolo religioso, llevó al surgimiento de un gran mercado para este tipo de bodegón.[24] El bodegón, como la mayor parte de las obras de arte holandesas, se vendía generalmente en mercados abiertos o por marchantes, o por los artistas en sus estudios, y raramente eran encargos; Por lo tanto, los artistas normalmente elegían el tema y la disposición.[25] Tan popular era este tipo de pintura de bodegón, que gran parte de la técnica de la pintura de flores holandesa fue codificada en el tratado de 1740 Groot Schilderboeck por Gerard de Lairesse, que daba amplios consejos sobre color, arreglo, pinceladas, preparación de los ejemplares, armonía, composición, perspectiva, etc. El simbolismo de las flores había evolucionado desde principios de la época cristiana. Las flores más comunes y sus significados simbólicos eran: rosa (la Virgen María, fugacidad, Venus, el amor), lirio (Virgen María, virginidad, seno femenino, pureza de mente o justicia), tulipán (presunción, nobleza), girasol (lealtad, amor divino, devoción), violeta (modestia, reserva, humildad), aguileña (melancolía) y amapola (poder, sueño, muerte). En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y resurrección, mientras que la libélula simboliza la fugacidad y las hormigas, el trabajo duro y la atención a las cosechas. Los artistas holandeses también se especializaron y revivieron el antiguo género griego del bodegón de trampantojo, particularmente la imitación de la naturaleza o mímesis, que ellos llamaron betriegerje («pequeño engaño»).[28] Además de estos tipos de bodegón, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron separadamente pinturas de «cocina y mercado», desayuno y comida, vanitas y colecciones alegóricas.Juan Sánchez Cotán, Membrillo, repollo, melón y pepino (1602) Especialmente popular en este período fue la pintura de «vanidad» o vanitas, en las que suntuosos arreglos de fruta y flores, libros, estatuillas, jarras, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, insignias militares, cristal y plata finos, estaban acompañados por recuerdos simbólicos de la fugacidad de la vida. Adicionalmente, un cráneo, un reloj de arena o de bolsillo, una vela consumiéndose o un libro con las páginas vueltas, servirían como un mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos. A menudo varias de las frutas y flores se muestran comenzando a pudrirse o decaer para insistir en la misma consideración.
Otro tipo de bodegón, comocido como «pinturas de desayuno», representan tanto una presentación literal de las delicadezas que las clases superiores disfrutaban como un recordatorio religioso para evitar la glotonería. En otra innovación holandesa, alrededor de 1650 Samuel van Hoogstraten pintó uno de los primeros cuadros con estanterías, bodegones tipo trampantojo que representa a objetos atados, clavados o pegados de otra manera a una tabla, un tipo de bodegón muy popular en los Estados Unidos en el siglo XIX Otra variedad de trampantojo representaba objetos relacionados con una profesión dada, como en la pintura de Cornelis Norbertus Gysbrechts Caballete de pintor con pieza de fruta, que muestra todas las herramientas del oficio del pintor.[32] También popular en la primera mitad del siglo XVII fue la pintura de un amplio surtido de especímenes en forma alegórica, como los «cinco sentidos», los «cuatro continentes» o las «cuatro estaciones», mostrando una diosa o figura alegórica rodeada por los correspondientes objetos naturales o realizados por el hombre.[33] La popularidad de las vanitas y estas otras formas de bodegón, pronto se difundieron desde Holanda a Flandes y Alemania y también a España[34] y Francia.
El bodegón alemán siguió de cerca los modelos holandeses. El pintor alemán Georg Flegel fue un pionero en el bodegón puro sin figuras y creó la novedad compositiva de colocar los objetos detallados en gabinetes, armarios y mostrar cajas, y producir puntos de vista múltiples simultáneamente.[35] En España, los bodegones eran austeros. Diferçian del modelo holandés, que a menudo contenía ricos banquetes rodeados por objetos lujosos y ornamentados de vidrio o tela. La caza en las pinturas españolas es a menudo simples animales muertos esperando a que los despellejen. Las frutas y hortalizas están crudos. Los fondos son sombríos o simples bloques geométricos de madera, creando a menudo un aire surrealista. Incluso cuando tanto los bodegones holandeses como los españoles a menudo tuvieron un propósito moral implícito, la austeridad, que algunos encuentran próxima a la desolación de la meseta española, parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud y el lujo de los bodegones holandeses.[36] En las católicas Italia y España, la pura pintura de vanitas era escasa, y había aún menos especialistas en bodegones. En la Europa meridional hay más empleo para el suave naturalismo de Caravaggio y menos énfasos en el hiperrealismo en comparación con los estilos del norte de Europa.[37] En Francia, los pintores de bodegones se vieron influidos tanto por la escuela septentrional como por la meridional, tomando prestado de la pintura de vanitas de los Países Bajos y de los arreglos libres de España.[38]
Siglo XVIII. Jean Siméon Chardin, La raya (1728)
En el siglo XVIII, las connotaciones religiosas y alegóricas de bodegón se abandonaron y las pinturas de mesa de cocina evolucionaron hasta ser calculadas representaciones de variado color y forma, mostrando comidas cotidianas. La aristocracia francesa contrató a artistas para ejecutar pinturas de pródigos y extravagantes bodegones que honraban sus mesas, también sin el mensaje moralista de la vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio llevó a un auge en la apreciación francesa por el trampantojo (llamado en francés trompe l'oeil («engañar el ojo»). Los bodegones de Chardin emplean una variedad de técnicas desde el realismo al estilo holandés a armonías más suaves.
En los Estados Unidos, en la época revolucionaria, los artistas estadounidenses formados en el extranjero aplicaron estilos europeos al retrato y los bodegones estadounidenses. Charles Willson Peale fundó una familia de prominentes pintores estadounidenses y como un gran líder dentro de la comunidad artística de su país, también fundó una sociedad para la formación de artistas así como un famoso museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Peale fue uno de un grupo de artistas de bodegón estadounidenses antiguos, que también incluyó a John F. Francis, Charles Bird King y John Johnston En la segunda mitad del siglo XIX, Martin Johnson Heade introdujo la versión estadounidense de la pintura de biotopo o hábitat, que colocaba flores y pájaros en un entorno de exteriores simulado.[41] Los trampantojos estadounidenses también florecieron durante este período, creados por John Haberle, William Michael Harnett y John Frederick Peto. Peto se especializó en una pintura nostálgica de estanterías mientras que Harnett logró el mayor nivel de hiperrealismo en sus celebraciones pictóricas de la vida estadounidense a través de objetos cotidianos.[42]
Siglo XIX
Con el surgimiento de las academias europeas, muy destacadamente de la Academia francesa que tuvo un papel central en el arte académico, el bodegón comenzó a decaer. Las academias establecieron una jerarquía de los géneros (o «Jerarquía del tema tratado»), que consideraba que el mérito artístico de una pintura radicaba ante todo en su tema. En el sistema académico, la forma más alta de pintura era la de historia, con temas de historia, alegóricos, mitológicos o religiosos, con el bodegón como el rango más inferior del reconocimiento artístico. En lugar de usar el bodegón para glorificar la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot, eligieron paisajes que servían a tal fin.


Vincent van Gogh, Girasoles o Vaso con quince girasoles (1888)
Édouard Manet, Claveles y clemátides en una jarra de cristal (1883)
Cuando el neoclasicismo comenzó a declinar en los años 1930 la escena de género y el retrato pictórico se convirtieron en el foco para las revoluciones artísticas romántica y realista. Muchos de los grandes artistas de la época incluyeron el bodegón en sus obras. Los bodegones de Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix conllevan una fuerte corriente emocional y están menos preocupados con la exactitud y más interesados en el estado de ánimo.[43] Aunque siguieron el modelo de los bodegones de Chardin, los bodegones de Édouard Manet son fuertemente tonales y claramente apuntaban al impresionismo. Henri Fantin-Latour, usando una técnica más tradicional, fue famoso por sus pinturas de flores exquisitas y se ganó el dinero casi exclusivamente con bodegones para coleccionistas.[44]
Sin embargo, no fue hasta el declive final de la jerarquía cadémica en Europa y el auge de los pintores impresionistas y posimpresionistas, que la técnica y armonía de color triunfaron sobre el tema, y el bodegón de nuevo era practicado con avidez por los artistas. En sus primeros bodegones, Claude Monet muestra la influencia de Fantin-Latour, pero es uno de los primeros que rompió con la tradición del fondo oscuro, que Pierre-Auguste Renoir también descarta en su Bodegón con ramo y abanico (1871), con su brillante fondo naranja. Con el bodegón impresionista, el contenido alegórico y mitológico está completamente ausente, lo mismo que la pincelada meticulosamente detallada. Los impresionistas, en lugar de ello, se centraron en la experimentación en toques de pincel, valores tonales y aplicación del color. Los impresionistas y posimpresionistas se inspiraron en los esquemas de color de la naturaleza pero la reinterpretaroncon sus propias armonías de color, que a veces resultaban estantadamente antinaturales. Como afirmó Gauguin, «Los colores tienen sus propios significados».[45] También se intentan variaciones en la perspectiva, como usar ángulos altos, como puede verse en Fruta mostrada en un perchero por Gustave Caillebotte, «una pintura de la que se burlaron en la época como una muestra defruta en una vista de pájaro».[46]
Las pinturas de Girasoles de Vincent van Gogh son algunos de los bodegones del siglo XIX más conocidos. Van Gogh usa mayormente tonos de amarillo y una representación bastante plana para hacer una memorable contribución a la historia del bodegón. Su Bodegón con tabla de dibujo (1889) es un autorretrato en forma de bodegón, con van Gogh representando muchos objetos de su vida personal, incluyendo su pipa, comida sencilla (cebollas), un libro edificante y una carta de su hermano, sin su propia imagen presente. También pintó su propia versión de una vanitas: Bodegón con Biblia abierta, vela y libro (1885).[45]
Siglo XX y más allá
Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un periodo excepcional de fermento y revolución artísticos. Los movimientos de vanguardia evolucionaron con rapidez y se superpusieron en su marcha hacia la abstracción total, lo no figurativo. El bodegón, así como otros artes de representación, continuaron evolucionando y ajustándose hasta mediados de siglo cuando la abstracción total, ejemplificada por la pintura de goteo de Jackson Pollock eliminaron todo elemento reconocible.
Paul Cézanne: Bodegón con cebollas (1895-1900).
El siglo comenzó con varias tendencias dominaron el arte. En 1901, Paul Gauguin pintó Bodegón con girasoles, su homenaje a su amigo van Gogh que había muerto once años antes. El grupo conocido como los Nabis, incluyendo Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, asumieron las teorías armónicas de Gauguin y añadieron elementos inspirados por los grabados japoneses a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó destacados bodegones durante este periodo, especialmente flores.Henri Matisse redujo la representación de objetos de bodegón a poco más que perfiles planos y marcados rellenadoscon colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores.[48] En algunos de sus bodegones, como Bodegón con berenjenas, su mesa de objetos está casi perdido entre las otras pautas de colores llenando el resto de la habitación.[49] Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, más tarde exploraron el color puro y la abstracción en sus bodegones.
Paul Cézanne encontró en el bodegón el vehículo perfecto para sus revolucionarias exploraciones en la organización espacial geométrica. Para Cézanne, el bodegón fue un medio primario de alejar la pintura de una función mimética o ilustrativa a una demostrando independienemente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Además, los experimentos de Cézanne pueden verse como encaminados directamente al desarrollo del bodegón cubista a principios del siglo XX.[50]
Adaptar los cambiantes planos y ejes de Cézanne, los cubistas atenuaron la paleta de color de los fauvistas y en lugar de ello se centraron en deconstruir objetos enformas y planos puramente geométricos. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegón, a menudo incluyendo instrumentos musicales, así como creando las primeras obras de collage cubista sintético, como en la obra oval de Picasso Bodegón con silla de mimbre (1912). En estas obras, los objetos del bodegón se superponen y entremezclan manteniendo a duras penas formas bidimensionales reconocibles, perdiendo la textura superficial individual y fundiéndose con el fondo, alcanzando así logros casi opuestos a aquellos del bodegón tradicional. Fernand Léger introdujo en el bodegón el uso de abundante espacio en blanco y formas geométricas que se superponen, definidas con claridad, coloreadas, para producir un efecto más mecánico. Rechazando el aplanamiento del espacio de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento Dada, marcharon en una dirección radicalmente diferente, creando esculturas de bodegón «de confección» en tres dimensiones. Como parte de restaurar algún significado simbólico al bodegón, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de bodegón reconocibles en sus paisajes oníricos. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos aparecen ligeron y flotando en un espacio bidemnsional ligeramente sugerido e incluso las montañas se dibujan como simples líneas.[50] En Italia en esta época, Giorgio Morandi fue el más destacado pintor de bodegones, explorando una amplia variedad de acercamientos al representar botellas cotidianas y cacharros de cocina.[53] El artista holandés M. C. Escher, más conocido por sus detalladas y aún así ambiguas obras gráficas, creó Bodegón y calle (1937), su versión actualizada de la tradicional naturaleza muerta de mesa holandesa.[54]
Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX fueron conscientes del modernismo europeo, comenzaron a interpretar los temas de bodegón con una combinación de realismo americano y abstracción cubista. Típicos bodegones estadounidenses de la época son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores extremadamente de cerca de O’Keeffe revelan tanto la estructura física y el subtexto emocional de pétalos y hojas de una manera sin precedentes. Un bodegón completamente sintético, generado por ordenador.
En México, comenzando a partir de los años 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia marca de surrealismo, representando comidas nativasw y motivos culturales en sus bodegones.[55] También a partir de esa década, el expresionismo abstracto redujo fuertemente el bodegón a crudas representaciones de forma y color, hasta que en la década de los cincuenta, la abstracción total dominó el mundo del arte. Sin embargo, el Pop Art de los sesenta y setenta revirtieron la tendencia y crearon una nueva forma de bodegón. Mucho arte pop (como las latas de sopa Campbell de Andy Warhol) se basa en el bodegón, pero su verdadero tema es más a menudo la imagen modificada del producto comercial representado más que el objeto de bodegón físico. La obra de Roy Lichtenstein, Bodegón con una pecera de peces de colores (1972) combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. La mesa de comida de Wayne Thiebaud (1964) no representa una sencilla comida de familia sino una línea reunida de alimentos estadounidenses estándares.[56] El movimiento neodadaísta, incluyendo a Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de Duchamp de ajuar doméstico cotidiano para crear su propio tipo de bodegones, como en el Bronce pintado de Johns (1960) y Casa de locos (1962).El auge del fotorrealismo en los años setenta rafirmó la representación ilusionística, al tiempo que conservaba algo del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.
En las últimas tres décadas, el bodegón ha expandido más allá de los límites de un marco, con algunas técnicas mixtas emplean objetos encontrados, fotografía, vídeo y sonido, e incluso vertidos desde el techo hasta el suelo, y llenando toda una habitación en una galería. Obra gráfica generada por ordenador han expandido las técnicas disponibles a los artistas de bodegones. Con el us de video cámaras, artistas de bodegón pueden incluso incorporar al espectador a su obra.